Gitarre: Sechs unsterbliche Saiten, die die Seele berühren.

Die Welt liebt die Musik. Es gibt keine Seele auf dieser Erde, die nicht ein Lieblingslied, einen Lieblingskünstler oder ein Lieblingsgenre hat. Meiner Meinung nach ist sie die verständlichste Kunstform des Planeten: Es reichen sieben Noten, richtig kombiniert, um Emotionen wie Freude, Harmonie, Wut, Angst oder Liebe zu transportieren – und das alles, ohne ein einziges Wort auszusprechen. Das Gleiche kann man von der Bildhauerei und der Malerei gewiss nicht behaupten, Bereiche, in denen es – besonders seit einem Jahrhundert – Künstler gibt, von denen man offen gesagt absolut gar nichts versteht. Jemand könnte einwenden, dass ich es bin, der nichts davon versteht, aber genau das ist der Punkt: Musik muss nicht studiert werden, um eine tiefe Verbindung zu denjenigen aufzubauen, die sie hören.

Zur Musik habe ich ein wunderschönes Verhältnis. Sie begleitet mich, seit ich geboren wurde, und sie hat mich in jedem Moment meines Lebens immer unterstützt, was auch immer mein Bedürfnis war. Deshalb schien es mir nur richtig, etwas in irgendeiner Form zu ehren, das uns allen in gleichem Maße und Umfang gehört.

Ich wollte die Musik jedoch nicht als abstraktes Konzept feiern. Auch weil ich wirklich nicht wüsste, was ich außer dem klassischen „Musik ist schön“ schreiben sollte, was für einen Blogpost sicherlich nicht ausreicht. Also habe ich mich gefragt: Warum nicht all das feiern, was sie zur intimsten und wunderbarsten Kunstform macht, die es gibt?

So entsteht diese neue Sektion meines Blogs, ein Raum, der ganz dem gewidmet ist, was die Musik zu bieten hat. Und um zu beginnen, habe ich beschlossen, nicht mit einem Künstler zu starten, sondern mit einem ganz besonderen Instrument: der Gitarre.

Ich kann nicht genau erklären, warum ich sie so sehr liebe. Vielleicht liegt es an dieser Vorstellung von „Gefühl“, die sie mit sich bringt, oder vielleicht, weil sie das Instrument ist, das Liebe und Leidenschaft am besten von allen in Klang übersetzt. Es ist kein Zufall, dass sie die absolute Hauptdarstellerin im Flamenco ist oder dass eine Gitarre im Hintergrund niemals versagt, wenn man eine romantische Atmosphäre schaffen will. Außerdem kann sie, wenn sie gut gespielt wird, wirklich ganz allein ausreichen, um ein ganzes Stück zum Leben zu erwecken (man denke nur an Carlos Santana, der seit fünfzig Jahren Meisterwerke schafft, ohne ein Wort sagen zu müssen).

Die Feier dieses Instruments der Liebe wird sich in mehrere Teile gliedern: Wir werden gemeinsam sehen, was sie ist, wie sie strukturiert ist, wir werden ihre historische Entwicklung nachvollziehen und kurz an die Mythen erinnern, die sie groß gemacht haben. Seid ihr bereit für diese Reise?

Was ist eine Gitarre?

Entschuldigt im Voraus das, was ihr gleich lesen werdet, aber da dies ein vollständiger Post werden soll, bin ich gezwungen, die offizielle Definition einzufügen. Wenn ihr jetzt „Wow, Captain Obvious!“ ausruft, verstehe ich euch vollkommen: Es ist exakt dasselbe Gefühl, das ich beim Lesen hatte.

Also, die Gitarre ist ein Saitenmusikinstrument, das Töne durch die Vibration von Saiten erzeugt, die über einen Resonanzkörper gespannt oder elektrisch verstärkt werden. Ja, schreit ruhig „Captain Obvious“, wann immer ihr wollt! Ich verstehe euch vollkommen. Was mich jedoch am meisten zum Lachen bringt, ist, dass die Gitarre noch einen anderen technischen Namen hat, und zwar „Chordophon“. Wie viele von euch wussten das? Ich sicherlich nicht! Ein ausgesprochen seltsamer Begriff, findet ihr nicht? Ehrlich gesagt weiß ich nicht, ob irgendjemand auf dieser Welt das Wort „Chordophon“ benutzt. Aber es wäre schön, in ein Musikgeschäft zu gehen (falls es sie noch gibt), zu fragen: „Guten Tag, ich möchte ein elektrisches Chordophon kaufen!“ und die ratlose Reaktion des Typen oder der Typin im Laden zu sehen.

Wie ist sie aufgebaut?

Auch hier gehen wir weiter auf dem Pfad des „Das wissen wir doch schon alle!“, aber wir gehen ein bisschen mehr ins Detail.

Fangen wir mit dem Hauptteil an, nämlich dem Korpus. Es handelt sich dabei einfach um den Resonanzkörper aus Holz, der als akustischer Verstärker fungiert (bei klassischen und akustischen Gitarren) oder als einfache Halterung für die elektronischen Komponenten (bei den elektrischen).

Am Korpus befestigt finden wir den Hals, also den langen, dünnen Teil, auf dem man die Saiten drückt. Dies ist die wahre Seele der Gitarre, denn hier werden die Noten kreiert und hier definiert sich das Können eines Musikers. Im Gegensatz zur Violine, wo der Hals leer ist, ist der Hals der Gitarre nicht glatt und einheitlich, sondern durch Metallstäbchen unterteilt, die die Bünde bilden, welche das Griffbrett ausmachen. Jeder Raum zwischen zwei Stäbchen (also der Bund) repräsentiert eine spezifische Note oder deren präzise Tonalität. Wenn man auf einer Tastatur weiße und schwarze Tasten hat, hat man bei einer Gitarre die Räume zwischen zwei Stäbchen.

Je nachdem, wie man die Saiten auf dem Hals drückt und je nach Geschicklichkeit und Geschwindigkeit der Finger, kann man zeitlose Melodien erschaffen. Wenn man den Hals nicht so benutzt, wie man sollte, ist das Ergebnis eine Ohrenfolter, die die Liebe zur Musik in tiefen Hass verwandelt.

Über den Hals werden die Saiten gespannt. In der Regel sind es sechs, aber es gibt Varianten der Gitarre mit 7, 8 oder sogar 12 Saiten. Bei der traditionellen sechssaitigen Gitarre erzeugt jede Saite, die „leer“ gezupft wird (das heißt, ohne das Griffbrett zu berühren), eine spezifische Note. Wenn man sie von oben nach unten betrachtet, lautet die Reihenfolge: E (tief), A, D, G, H, E (hoch). Die Noten, die die Saiten erzeugen, wenn sie leer gespielt werden, bewegen sich in regelmäßigen Intervallen von Vieren, außer zwischen dem G und dem H, wo sich der Abstand auf drei verkürzt.

Das ist das Schema:

Von der 6. Saite (tiefes E) zur 5. Saite (A): Wir zählen beginnend beim E E (1), F (2), G (3), A (4). Der Sprung beträgt 4 Noten.

Von der 5. Saite (A) zur 4. Saite (D): Wir zählen beginnend beim A A (1), H (2), C (3), D (4). Der Sprung beträgt 4 Noten.

Von der 4. Saite (D) zur 3. Saite (G): Wir zählen beginnend beim D D (1), E (2), F (3), G (4). Der Sprung beträgt 4 Noten.

Von der 3. Saite (G) zur 2. Saite (H): Wir zählen beginnend beim G G (1), A (2), H (3).

Von der 2. Saite (H) zur 1. Saite (hohes E): Wir zählen beginnend beim H H (1), C (2), D (3), E (4). Der Sprung beträgt wieder 4 Noten.

Diese kleine „Anomalie“ ist der wahre Geniestreich der Gitarrenbauer (diejenigen, die die Gitarren konstruieren): Sie dient dazu, den Fingern unnatürliche Akrobatik zu ersparen, was es ermöglicht, die komplexesten Akkorde und das gefürchtete Barré zu greifen, indem man der natürlichen Anatomie der Hand folgt. Wenn man diesen Kniff nicht anwenden würde, hätten wir keine Gitarristen, weil es unmöglich wäre, eine Gitarre zu spielen, ohne sich die Finger zu brechen.

Schließlich haben wir die Kopfplatte, die sich am äußersten Ende des Halses befindet. Das ist der Teil, an dem sich diese weißen oder metallischen Wirbel befinden, die man dreht. Dies ist eine kritische Komponente der Gitarre, da sie die Mechaniken beherbergt, die zum Stimmen des Instruments notwendig sind. Die Saiten neigen nämlich dazu, sich mit der Zeit und durch den Gebrauch zu lockern, wodurch sie die Intonation verlieren, für die sie ausgelegt sind. Es wird daher fundamental, ihre Spannung über diese Wirbel an der Kopfplatte zu regulieren, um dafür zu sorgen, dass sie immer genau so klingen, wie sie sollten. Denn es gibt nichts Nervigeres als eine verstimmte Gitarre.

Wie der Klang entsteht.

Ich weiß, auch hier sprechen wir vom Offensichtlichen, aber es ist richtig, diese Art von Absätzen zu haben, wenn wir wollen, dass der Post wirklich komplett ist. Im Prinzip ist das Gitarrespielen einfach: Der Musiker zupft die Saiten mit seiner dominanten Hand, wobei er sich mit den Fingern oder einem Plektrum (einem kleinen Plastikblättchen) hilft.

Wie wählt man zwischen dem Plektrum und den Fingern? Nun, das hängt stark davon ab, womit man sich freier fühlt und vor allem, was man spielen will. Wenn das Ziel ein harmonisches und strukturiertes Stück ist, bei dem man schnell eine Saite nach der anderen berührt, sind beide Lösungen hervorragend, da sowohl die Finger als auch das Plektrum es erlauben, sich mit großer Präzision zu bewegen, um komplexe Melodien zu kreieren. Hier geht es nur um Bequemlichkeit. Wenn ihr hingegen ein Rock- oder Metal-Stück anstimmen wollt, indem ihr kräftig in die Akkorde haut (wobei also alle sechs Saiten gleichzeitig einbezogen werden), wird das Plektrum zur besten Wahl: Dasselbe direkt mit den Fingern zu tun, könnte auf Dauer definitiv schmerzhaft sein!

Die andere Hand – die linke für Rechtshänder oder die rechte für Linkshänder – drückt hingegen die Saiten auf das Griffbrett. Gesteuert wird damit die Länge des Teils der Saite, der vibriert, was folglich die Tonhöhe der Note verändert: Je weiter die Saite in den Bünden nahe dem Korpus gedrückt wird (also den Hals hinab), desto „kürzer“ wird ihr vibrierender Teil und desto höher wird der finale Klang sein.

Haupttypen.

Auf dem Markt gibt es Hunderte von Gitarren in verschiedenen Formen und Größen, von denen jede eine andere klangliche Nuance erzeugen kann. Es gibt sogar Künstler oder Enthusiasten, die sie nur kaufen, um sie zu sammeln, und einige historische Modelle sind so ikonisch geworden, dass sie Millionen von Dollar wert sind. Um jedoch Ordnung zu schaffen, lässt sich die gesamte weltweite Produktion in nur drei große Kategorien zusammenfassen. Ja, ihr habt richtig gelesen: nur drei.

Die klassische Gitarre ist die „Älteste“ der Familie. Sie hat Saiten aus Nylon, die ihr einen weichen, süßen und warmen Klang verleihen. In diesem Fall breitet sich der Klang auf völlig natürliche Weise aus, einzig verstärkt durch den Resonanzkörper aus Holz. Der große Vorteil und Nachteil ist, dass die klassische Gitarre, da sie nicht an einen Verstärker angeschlossen werden kann, einen sehr „intimen“ Klang erzeugt, der sich hervorragend eignet, um an einem kleinen Ort zu spielen. Da der Resonanzkörper jedoch nicht so kraftvoll ist, ist sie bei Konzerten nicht die ideale Wahl, es sei denn, man benutzt ein Mikrofon. Sie stellt seit jeher den idealen Ausgangspunkt für diejenigen dar, die sich entscheiden, mit dem Musikstudium zu beginnen. Auch ich habe in der Mittelschule die klassische Gitarre benutzt, um zu lernen, Musik zu machen. Schade nur, dass ich die Sache viel zu schnell aufgegeben habe. Leider verliert man als Teenager schnell das Interesse, wenn man gezwungen wird und nicht den richtigen Lehrer findet.

Die akustische Gitarre ist die modernere Variante, quasi die jüngere Schwester. Auf den ersten Blick mag sie identisch mit ihrer klassischen Verwandten erscheinen, aber sie verbirgt enorme Unterschiede. In erster Linie sind die Saiten aus Metall (meist Stahl und Bronze), eine Eigenschaft, die ein viel helleres, klares und kraftvolleres Klangbild erzeugt, perfekt für Genres wie Pop, Folk und Country. Zudem bieten viele Modelle die Möglichkeit, direkt an ein externes Verstärkersystem angeschlossen zu werden, um bei Konzerten oder an sehr großen Orten eingesetzt werden zu können.

Die elektrische Gitarre ist die jüngste Version und zweifellos die berühmteste und ikonischste. Hier müssen wir von einem fundamentalen Konzept ausgehen: Sie besitzt keinen tiefen Resonanzkörper. Folglich gibt es ohne einen externen Verstärker keine Musik; wenn sie ausgeschaltet gespielt wird, ist der einzige Ton, den man hört, der des Abriebs mit dem Plektrum. Aber wie überträgt sie den Klang? Sie nutzt magnetische Sensoren namens Tonabnehmer (Pickup), die im Inneren des kleinen „Korpus“ montiert sind und die Vibrationen der Metallsaiten in elektrische Signale umwandeln können, die dann über ein Kabel an den Verstärker geleitet werden. Sie ist die unbestrittene Königin des Rock, des Blues und des Metal.

Geschichte.

Endlich sind wir bei dem Teil des Posts, der mich am meisten interessiert. Es ist mir immer eine große Freude, neue Dinge zu lernen, wenn ich die Geschichte von Dingen und Personen schreibe.

Die Geschichte der Gitarre ist eine jahrtausendelange Reise, die Kontinente und Kulturen durchquert und sich von einfachen, rudimentären Instrumenten, die aus dem geschaffen wurden, was man gerade fand, zu einzigartigen Designstücken entwickelt hat, die untrennbar mit Rock-Ikonen verbunden sind.

Die antiken Ursprünge: Vorfahren und Lauten.

Die Entstehung von Saiteninstrumenten hat antike Ursprünge. Wir müssen in der Zeit einige tausend Jahre zurückgehen, ungefähr über 4.000 Jahre.

Wir befinden uns in der Zeit des alten Ägyptens und des Fruchtbaren Halbmonds, wo große Zivilisationen wie die Sumerer und die Babylonier die ersten Schritte der menschlichen Geschichte machten. In jener glorreichen Epoche war Musik nicht nur ein Zeitvertreib, sondern eine Säule der höfischen Unterhaltung und vor allem der heiligen Gebete. Genau in dieser Wiege der Zivilisation tauchen die ersten Prototypen von Instrumenten auf, die mit einem Hals und einem Resonanzkörper ausgestattet waren (oft gewonnen aus Schildkrötenpanzern oder ausgehöhlten Kürbissen). Das älteste „gitarrenähnliche“ Instrument, das intakt bis zu uns gelangt ist, gehörte Har-Mose, einem ägyptischen Hofsänger, der vor etwa 3.500 Jahren lebte und mit seinem geliebten dreisaitigen Instrument und einem Resonanzkörper aus Zedernholz begraben wurde.

Erst später, im antiken Griechenland, beginnt man, die entscheidenden Schritte in Bezug auf das Lexikon zu machen, auch wenn die Verbindung nicht ganz klar ist. Es stimmt zwar, dass der Begriff geprägt wird, den wir heute verwenden – die Kithara (oder Zither) –, aber die griechische Zither war in Wirklichkeit ein anderes Instrument – eher ähnlich einer kleinen, quadratischen Harfe ohne Hals, die an die Brust gelehnt wurde. Erst über das lateinische cithara und die nachfolgenden sprachlichen Variationen reiste dieser antike Name durch die Zeit, bis er sich definitiv in das Wort verwandelte, das wir heute benutzen: Gitarre, bezogen auf das Instrument, das wir heute verwenden.

Obwohl es in den antiken Reichen die Gitarre als das Instrument, das wir kennen, nicht gab, existierten Musiker in Tuniken, die große und majestätische Holzzithern zupften und damit die theoretischen Grundlagen der Musik (und des Vokabulars) legten, die viele Jahrhunderte später unsere Gitarre ins Leben rufen sollten.

Mittelalter.

Während des Mittelalters beginnen wir, etwas zu sehen, das unserer Gitarre wirklich ähnelt, und das nicht nur wegen des Namens. Die entscheidende Wende vollzieht sich ab dem 8. Jahrhundert mit der arabischen Expansion auf der Iberischen Halbinsel (dem heutigen Spanien). Die Mauren brachten eine außergewöhnliche Musikkultur und vor allem die Oud (die arabische Laute) mit. Dieses Instrument, charakterisiert durch einen Korpus in Form einer halben Birne und einen kurzen Hals, wurde rasch extrem populär.

Im Laufe der Jahrhunderte begann die Oud, mit den musikalischen Traditionen der Christen und der europäischen Kultur zu verschmelzen und in Dialog zu treten. Aus diesem historischen „Kulturschock“ entstanden in Spanien zwei verschiedene Instrumente, die die Musiker jener Zeit klar unterschieden und die wir sogar in berühmten mittelalterlichen Manuskripten der Cantigas de Santa Maria illustriert finden:

Die maurische Gitarre (Guitarra Morisca): Direkte Nachfahrin der Oud, sie hatte einen gewölbten Korpus, mehrere Saiten und einen raueren, typisch orientalischen Klang.

Die lateinische Gitarre (Guitarra Latina): Von europäischen Handwerkern entwickelt, wies sie einen flachen Korpus auf und zum ersten Mal leicht nach innen geschwungene Seiten, wodurch jene typische Form einer „Acht“ gezeichnet wurde, die heute jeder mit einer Gitarre assoziieren würde.

Dieser kulturelle Schmelztiegel verwandelte Spanien in die wahre Wiege des Instruments und legte die Basis für die folgenden Jahrhunderte.

Renaissance und Barock: die Vihuela und die Barockgitarre.

Zwischen dem 14. und 16. Jahrhundert macht die Entwicklung einen außerordentlichen Sprung nach vorn. Ebenfalls in Spanien entwickeln sich zwei Schlüsselinstrumente, die das Fundament der Gitarre darstellen, die wir heute so sehr lieben und spielen.

Die Vihuela (Vihuela de mano): Sie wird zum Hauptinstrument der spanischen Renaissance. Sie hatte eine raffinierte Form einer „Acht“, einen flachen Boden und war mit sechs Doppelsaiten bespannt (technisch Chöre genannt), die im Einklang oder in der Oktave gestimmt waren. Die Vihuela war ein Elite-Instrument, extrem populär unter Adligen, Herrschern und Hofmusikern. Um euch eine Vorstellung von der Bedeutung zu geben: Die Komponisten jener Zeit schrieben die Musik für die Vihuela mittels Tabulatur (ein visuelles System, der Vorfahre der modernen Tabs im Internet), und ihre Melodien wurden als ebenso anspruchsvoll erachtet wie jene der Laute im restlichen Europa.

Die Renaissance- und Barockgitarre: Fast zeitgleich feiert die eigentliche Gitarre ihren Auftritt. Kleiner und schmaler im Vergleich zur Vihuela war sie anfangs nur mit 4 Chören bespannt, die in der Barockzeit (17. Jahrhundert) dann zu 5 wurden. Zu Beginn wurde sie nicht als „edles“ oder akademisches Instrument angesehen, sondern sie war das Instrument des Volkes schlechthin: günstig, leicht und perfekt für die Begleitung von Liedern in Tavernen und auf Plätzen.

Genau in dieser Zeit entsteht das Rasgueado, also jene typische Technik, mit den Fingern gleichzeitig über alle Saiten zu „schlagen“ oder zu streichen, um den Rhythmus vorzugeben, was zum Markenzeichen der spanischen Musik werden sollte. Der Erfolg der 5-chörigen Barockgitarre war so überwältigend, dass der spanische Arzt Joan Carles Amat im Jahr 1596 die erste Abhandlung der Geschichte veröffentlichte, die ganz diesem Instrument gewidmet war, was genau den Moment markierte, in dem die Gitarre begann, die alten und komplexen mittelalterlichen Lauten an Popularität zu übertreffen.

Das 19. Jahrhundert: Die moderne Gitarre entsteht.

Das 19. Jahrhundert ist die Ära des wahren Durchbruchs. Obwohl in den Jahrhunderten zuvor das Klavier die Oberhand behalten hatte, macht die Gitarre endlich jenen evolutionären Schritt, der notwendig ist, um zu dem Instrument zu gelangen, das wir heute kennen. Das Instrument verabschiedet sich endgültig von den Doppelsaiten zugunsten von sechs Einzelsaiten und übernimmt die klassische Stimmung E-H-G-D-A-E, die wir auch jetzt noch benutzen. Derjenige, der als der wahre „Vater“ der modernen Gitarre gelten kann, ist der spanische Gitarrenbauer Antonio de Torres Jurado (und ja, Spanien bestätigt sich einmal mehr als absolute Hauptdarstellerin). Torres veränderte das Design der damaligen Zeit radikal: Er vergrößerte den Resonanzkörper, machte das Holz der Decke dünner, um die Resonanz zu verbessern, und führte die Fächerbeleistung im Inneren des Korpus ein. Was zur Hölle ist diese Fächerbeleistung? Die Fächerbeleistung besteht darin, eine strahlenförmige Anordnung von Holzleisten an der Innenseite des Resonanzkörpers aufzuleimen, die eben wie ein offener Fächer angeordnet sind. Diese Innovation erlaubte es dem Instrument, eine größere Spannung der Saiten auszuhalten, und bot gleichzeitig einen viel kraftvolleren, reicheren und tieferen Klang. Von diesem Moment an nimmt die klassische Gitarre die Form und die Proportionen an, die wir alle kennen.

Jetzt verstehe ich vollkommen, warum dieses Instrument in Spanien so viszeral geliebt wird. Die Gitarre ist tatsächlich in Spanien geboren, aufgewachsen und erwachsen geworden. Es ist völlig natürlich, dass sie für die Spanier ein so teures und identitätsstiftendes Objekt ist.

Das 20. Jahrhundert: Stahl und Elektrizität.

Im 20. Jahrhundert ändert sich die Musik radikal, und die Gitarre verspürt das Bedürfnis, sich Gehör zu verschaffen, vor allem innerhalb der großen amerikanischen Bands, wo der weiche Klang des Nylons regelmäßig von der Kraft der Bläser (Trompeten und Posaunen) übertönt wurde.

Genau in den ersten Jahren des 20. Jahrhunderts wird so die akustische Gitarre erfunden. In den Vereinigten Staaten führen historische Marken wie Martin die Stahlsaiten und das ikonische „Dreadnought“-Design (ein viel größerer und tieferer Korpus) ein. Es ist die Geburt des perfekten Sounds für Blues, Folk und Country, Genres, die die Musikkultur in Übersee noch vor dem Aufkommen von Rock, Pop und, in jüngerer Zeit, Rap und Hip-Hop definieren sollten. Das Hauptproblem in jener Zeit blieb jedoch immer dasselbe: die Lautstärke. In großen, überfüllten Räumen oder lauten Lokalen hatte selbst die akustische Gitarre Mühe, sich Gehör zu verschaffen, wenn man bedenkt, dass beim Blues und Jazz die Bläser dominierten. Es war zwischen den 30er und 50er Jahren, als die elektrische Revolution das Instrument auf unumkehrbare Weise erfasste. Um das Problem der Verstärkung ein für alle Mal zu lösen, wurden die ersten magnetischen Tonabnehmer in den Korpussen angebracht, die in der Lage waren, die Vibrationen einzufangen, indem man das Instrument an Lautsprecher anschloss. Der erste historische Schritt erfolgt im Jahr 1931, dem Jahr, in dem die „Frying Pan“ von Rickenbacker entsteht, die allererste verstärkte elektrische Gitarre der Geschichte. Aber das waren noch Gitarren mit einem Resonanzkörper.

Die endgültige Weihe folgt jedoch in den 50er Jahren. Legendäre Pioniere wie Leo Fender (mit den Modellen Telecaster und Stratocaster) und Les Paul (mit der gleichnamigen Gitarre von Gibson) beschließen, den hohlen Resonanzkörper komplett zu eliminieren, und rufen die Solid-Body-Gitarren (Massivkorpusgitarren) ins Leben, die wir heute noch benutzen. Diese geniale Intuition löscht das lästige Pfeifen des Feedbacks bei hoher Lautstärke vollständig aus und setzt die ganze Kraft des Rock-'n'-Roll-Sounds frei, der die kommenden Jahrzehnte revolutionieren sollte.

Aber warum wird die Gitarre so schamlos geliebt?

Wenn ihr euch umschaut, ist die Gitarre überall: Sie ist das meistverkaufte, meistgespielte und meistgeliebte Instrument des Planeten. Aber warum ausgerechnet sie? Warum nicht das Klavier, die Violine oder das Saxophon? Ehrlich gesagt habe ich mir als einfacher Zuhörer geantwortet, dass das Geheimnis der Gitarre in einem einzigen, wunderschönen Wort liegt: Demokratie. Die Gitarre ist das demokratischste Instrument, das es auf der Erde gibt, und das gelingt ihr aus einer Reihe von Gründen, die nichts mit Musiktheorie zu tun haben, aber viel mit unserem Alltag.

Sagen wir uns die Wahrheit. Wenn ihr versucht, zum ersten Mal Violine zu spielen, ist das Einzige, was ihr herausbekommt, ein Geräusch, ähnlich einer Katze, der man auf den Schwanz getreten ist. Das Klavier auf der anderen Seite verlangt von einem, zwei Musikschlüssel gleichzeitig lesen zu können, und lässt das Gehirn nach zwei Minuten Brei werden. Die Gitarre hingegen ist einladend, sie mag dich von Anfang an. Mit nur vier Basisakkorden – die jeder auf dem Sofa an ein paar Nachmittagen lernen kann – seid ihr bereits in der Lage, Hunderte von berühmten Liedern zu schrammeln und zu begleiten. Sie gibt euch eine sofortige Belohnung.

So wunderbar das Klavier auch als Instrument ist, versucht mal, es zu einem Picknick, zu einer Grillparty oder am Strand vor einem Lagerfeuer mitzunehmen. Die Gitarre (besonders die klassische oder akustische) nimmst du, packst sie in den Kofferraum und die Sache ist erledigt. Zudem hat sie diese magische, fast magnetische Kraft: Es reicht, dass jemand einen Akkordwechsel anstimmt, und innerhalb von drei Sekunden beginnen alle drumherum zu singen und einen Kreis zu bilden. Sie ist das Instrument des Teilens par excellence.

Die Gitarre ist intim. Ihr sitzt nicht auf einem Hocker vor einem Möbelstück aus Holz. Die Gitarre müsst ihr buchstäblich umarmen, um sie zu spielen. Der Resonanzkörper liegt direkt an eurer Brust an, und wenn ihr die Saiten zupft, spürt ihr die Vibrationen des Holzes physisch an euch, auf der Haut. Es entsteht eine intime und viszerale Beziehung zwischen dem Körper und dem Instrument, als wäre es eine Verlängerung eurer Arme.

Und sie ist universell. Kein anderes Instrument schafft es, mit einer so unverschämten Leichtigkeit von einem Genre zum anderen zu springen. Ihr fühlt euch romantisch und ein bisschen melancholisch? Klassische Gitarre. Ihr habt Lust auf Rhythmus, Reise und frische Luft? Akustische Gitarre. Ihr habt Wut und Stress angestaut und wollt die Wände des Hauses zum Zittern bringen? Steckt den Klinkenstecker in die elektrische Gitarre, dreht die Verzerrung bis zum Anschlag auf und belästigt die Nachbarn. Die Gitarre versteht es, genau all das zu sein, was ihr in dem exakten Moment braucht, in dem ihr es durchlebt.

Die Gitarre spielt sich nie als Lehrerin auf und verlangt kein Konservatoriumsdiplom von euch, damit ihr Spaß habt. Sie nimmt euch so auf, wie ihr seid, egal ob ihr die neuen Carlos Santana werden wollt oder ob ihr einfach einen schlechten Tag vergessen wollt, indem ihr ein Lied auf dem Sofa vor euch hin trällert. Und das ist der Grund, warum wir sie am Ende alle so gern haben.

Kleine Reflexionen.

Und da wären wir am Ende dieser langen und faszinierenden Reise angelangt. Wenn man darüber nachdenkt, ist es unglaublich, wie es einem „einfachen“ Stück Holz mit sechs Saiten – oder einem soliden Block voller Magnete und Schaltkreise – gelungen ist, viertausend Jahre Geschichte, Kriege, Migrationen und Kulturrevolutionen zu durchqueren, um zu dem Instrument zu werden, von dem wir heute alle zumindest einmal geträumt haben, es in die Hand zu nehmen.

Von den Gebeten der Hofsänger im alten Ägypten über die Intuitionen der spanischen Gitarrenbauer, die ihre Seele und ihre Kurven gezeichnet haben, bis hin zu den amerikanischen Laboren, wo sie buchstäblich „an den Strom angeschlossen“ wurde, bestätigt sich die Gitarre als das, was sie ist: der offizielle Übersetzer unserer tiefsten Emotionen. Man muss kein Musikexperte sein, man muss keine komplizierte Partitur lesen können, und man muss sie nicht einmal wie Carlos Santana spielen können, um sie zu lieben. Es reicht, zuhören zu können und sich von einem Klang tragen zu lassen, der Emotionen transportiert, die direkt das Herz und den Verstand berühren.

M.